<目次>
- レクチャー:「音の響き、音質、表情のつけ方」 若林顕先生、鈴木理恵子先生
- アナリーゼ:「ソナタ」とは? 内藤晃先生
- マスタークラス:赤松林太郎先生
- マスタークラス:若林顕先生
- マスタークラス:横山幸雄先生
- マスタークラス:練木繁夫先生
- 相談会の様子
- まとめ
レクチャー:「音の響き、音質、表情のつけ方」若林顕先生、鈴木理恵子先生
ソロのみならず室内楽の分野でも活躍される若林先生。先生のレクチャーは、ヴァイオリニスト・鈴木理恵子先生とともに、「音の響き、音質、表情のつけ方」を中心に展開していきました。◇ピアノ以外の曲を聴く大切さ
私の中で音楽へのアイディアがたくさん生まれたのは、ベートーヴェンの交響曲を聴くようになってからです。「ベートーヴェンはオーケストラを想定しながらピアノソナタを書いた」ので、交響曲をたくさん聴くのはピアノソナタの勉強にもなりますよ。交響曲のみならず、室内楽、弦楽四重奏など、幅広いジャンルの曲をたくさん聴くことが、何より大切です。
では、そこで浮かんだ・発見したアイディアたちをどうピアノに落とし込めば良いでしょうか。それには、ピアノの「音程感」が重要です。
「音程感」と一括りにいっても、それは音と音との距離(音程幅)や、音そのものの音程(ピッチ)など、意味はいろいろあります。
まず「音程幅」について、ベートーヴェンの「悲愴ソナタ」の2楽章を用いて考えてみましょう。
最初のフレーズだけでも、4度の上行、5度の下行、そのすぐ後には半音階が登場します。4度や5度の幅は決して気軽にはいけないもの、ピアノの場合はさらっと弾けてしまいますが、歌などに置き換えてみるとそうはいかないのが分かりますね。その「気軽にはいけない」音程幅を感じ取ることが非常に大切です。
また、半音階は「濃い表情が求められる音程」であり、「音間を埋めるライン」で、念を込めて作曲されている、とのこと。このように、音程を足掛かりに音楽を紐解いていくと、実にたくさんの変化が起きていることがわかります。この変化の中に感性がついていくような練習が必要です。
◇音と音の距離に着目してみましょう
続いては、ピッチの意味での「音程感」について、また調和していくための音色づくりについてお話しします。私自身、気を付けていても見落としてしまうこともあり、室内楽でほかの楽器と共演すると、相手からの指摘で気付かされることも多いのです。
ここからは、モーツァルトの「ヴァイオリンソナタ第28番 ホ短調 K.304」を例に見てきましょう。 この曲はヴァイオリンとピアノのユニゾンが多いので、2つのパートがしっかり調和するように調整していきます。 大事なのは、どちらか一方だけが、ではなく、お互いが調和しようとする意識。
ヴァイオリンはメロディックなものを弾くとき・和声の中の一部を担うとき…など様々な場面で、少しずつピッチを変化させています。また、弓を引くスピードや圧力のかけ方、ビブラートなどで微細に音色を変化させています。そうすることで、ピアノが奏でる和声にしっかりと調和していくのですね。これがヴァイオリンパートから見た調和。
ではピアノパートはどうしたら良いでしょうか?ヴァイオリンが創り出す微細な変化に合わせて、ピアノも自在に変化させていくことが必要です。ピッチを少し高くとるのかそうでないのか、ピントを合わせながら要所要所の音を捉え直していくことや、「なにも考えていない音」が無いように、ヴァイオリンと調和させるようなタイプの音色を作っていくことなど、調和するようにケアをしていくことが大切です。こうしてお互いがお互いの音楽を感じ取り調和させていくことで、美しい音楽が生まれます。こういった意識は、ピアノソロを演奏するときにも応用すると良いでしょう。「このパッセージはヴァイオリンが弾いている」、など想像するときに、もし本当にヴァイオリンが弾いていたらどう調和させようとするだろう?と考えていくと、音楽がとても立体的になっていきますよ。
1音1音へこだわることで見えてくる音楽の変化をレクチャーの中でたくさん感じることができたのではないでしょうか。ソナタの中には、作曲家の精神や魂が込められています。その魂を感じ取るためには、ほかの楽器と共演したり、様々なジャンルの音楽を聴くことがとても重要です。そうすることで、音楽へのアイディアがたくさん生まれてきます。ピアノの演奏だけを聴くのではなく、幅広いジャンルの音楽を聴いて、イマジネーションを膨らませながら、楽しんで勉強していってくださいね。
アナリーゼ:「ソナタ」とは? 内藤晃先生
内藤先生によるアナリーゼは、複数のグループが合同になって、和気あいあいとした雰囲気で進められました!
◇「ソナタ」という言葉の意味は何でしょう?
「ソナタ」とは、元々は「鳴る・鳴り響く」といった意味で使われていましたが、だんだん複数曲の「器楽曲」という意味を持つようになっていったのです。古典派の時代では、「ソナタ形式」の曲がたくさん作られましたが、その理由は知っていますか?当時は、宮廷などで演奏する人と、作曲をする人、といったように、音楽家の役割が分かれていました。たとえばハイドンの場合、ハイドンはエステルハージ家に仕える宮廷音楽家でしたので、彼らのためにたくさんの曲を書く必要がありました。そういったときに、一から曲を書くのではなく、「ソナタ形式」といういわばフォーマットに当てはめて曲を書いていったので、ソナタ形式の曲が量産されたのです。そのフォーマットの中に作曲家それぞれのアイディアを詰め込んでいったので、ひとくくりに「ソナタ形式」といっても、それぞれが個性豊かな曲に仕上がっていったのでしょう。
◇自分の演奏曲をプレゼンしよう!
「ソナタ」の基本的な部分を学んだあとは、実際にコンクールで演奏する曲を使って、「初めて聴く人が楽しく聴けるようにガイド」をしましょう。その曲の中で、面白い・斬新な表現をしているところを言葉にしてみましょう。主和音で始まらない、遠回りして目的の調性に辿り着く、突然遠隔調にワープする、再現部で提示部と異なる道筋を辿る、など、作曲家が仕掛けているサプライズは、その効果をどのように音で表現するか、吟味する必要があります。改めて言語化することで、曲の中で目を向けられていた部分、逆に気付けていなかった部分や、新しい発見が生まれたのではないでしょうか。また、認識新たに自分の中に落とし込んでいくことで、自分の表現しようとしている音楽や解釈がより一層説得力を持つのではないでしょうか?ぜひ、ソナタのみならず、普段勉強している曲でも試してみてください。
マスタークラス:赤松林太郎先生
圧倒的な知識をもって曲に踏み込んでいく赤松先生のレッスン。この時間では「ワルトシュタイン」を取り上げてのレッスンでした。ベートーヴェンが楽譜に残した、「奏者にしてほしい」記号、暗号を一緒に読み解いていきます。
◇楽譜の中の表現を読み解こう
ベートーヴェンは、奏者にしてほしいことはすべて楽譜の中で指示をしています。それは強弱であったり、アーティキュレーションであったりと様々ですが、書いてあることはしっかり表現し、読み解いていくことで、音楽はとても生き生きします。そんな数ある指示の中でも頻繁に登場するのが、「クレッシェンドをかけた直後のp」の表現。これは、テンポを操作しなくても自然とagitatoの雰囲気が出る表現ですが、こういった頻繁に登場するベートーヴェンの「手法」を読み解くことは、ベートーヴェン自身の特徴を捉えることにもつながっていきます。
ベートーヴェンの中期は、「非常にエネルギーに溢れていた時期」でした。その中で、最も大事なのは「エネルギーがどう溜まって、それをどうフロー(放出)するか」ということ。ベートーヴェンは、熱い情熱を持っているけれど、その反面とても冷静なのです。だからこそ、fやffで音量が大きくなったままにしない、数ある指示をもって、冷静に音楽の先を描いています。そのベートーヴェンの、情熱と冷静さといった、いわば二面性のようなものを、「楽譜に書いてあるものと書いていないもの」、どちらも見て分析しないといけません。
◇細かく楽譜を読み込んでいこう!
「同じようなパッセージでも高さと音価が違うということは、違う楽器で演奏することを想定していた(つまりピアノ曲でありながらオーケストラを想定していた)」、「4声で書かれているということは、コラール書法(ドイツの伝統的な書法)で書かれている」、「cresc.と書かれているときはfへ向かうという明確な意思を持っているとき、これはまさしく『疾風怒濤』の表現」、「シンコペーションはespressivoであり、『拍感を壊しても伝えたいもの』である」…など、知識を得ることで、音楽を解釈していくことの楽しさが倍増しますよ。
マスタークラス:若林顕先生
午前中のレクチャーで、一音へのこだわりや様々なジャンルの音楽を聴くこと・共演することの重要性を伝えてくださった若林先生。ハイドンの「ピアノソナタ 第60番 ハ長調」のレッスンでは、まず「くさび形」の記号の持つ意味についてお話がありました。
◇「くさび形」とは?
ピアノ作品のみならず、オーケストラのスコアなどでもよく見かけるこの記号、とかく「短く・鋭く」という意味で捉えがちですが、「大事な音」という意味で捉えるようにしましょう。ただ鋭いだけの音ではなく、それぞれの音を大事に、意味を持たせるように演奏することが大事です。また、似たようなフレーズで語尾の音価に変化する部分など、見落としがちではあるもののハイドンのアイディアやユーモアが込められている部分にしっかり目を向け表現することで、途端に音楽が瑞々しく、生き生きと語りだすでしょう?
◇「音程感」の大切さ
ピアノという楽器でも、音と音の間の「音程感」が大切になってきます。ただ単純に音を出すのではなく、音の上をなぞるような意識で弾くと、本当にピッチが少し上がったように聴こえるのがすごく不思議で、ですが自然としっくりくる表現に変化しますよ。本当に細かな部分ではありますが、そこまでこだわりをもって演奏することでぐっと印象が変わってくることを身をもって体感できるではないでしょうか。
マスタークラス:横山幸雄先生
横山先生のレッスンは、「あなたにとってのベートーヴェンとは?」という質問から始まりました。
◇「ベートーヴェンのイメージ」は?
ベートーヴェンというと、情熱にあふれていて、ドラマティックな激しい曲が多いイメージ…ですが、今回取り上げる第12番のソナタは、そのイメージとは離れ、とても優しい雰囲気ですね。とはいえ、モーツァルトやシューベルトに見られるような、「音楽の流れに沿った、自然な優しさ」ではありません。ベートーヴェンの場合は、優しい雰囲気の中にもしっかりとした意思を持っています。その意思の強さを表現するには、「強弱のコントラストをはっきりさせること」が大事です。
◇表現の違い
「もしほかの作曲家であればきっとこういう表現になったであろう」表現と、ベートーヴェンが書き込んだ通りの表現を弾き比べてみましょう。実際に比べてみると、ベートーヴェンは優しい中でも一段踏み込んだ意思があることがわかります。丸くなってしまってはベートーヴェンの音楽ではなくなってしまうのです。だからといってやりすぎにも注意しましょう!
そうした前提をもって曲を紐解いていきましょう。冒頭をみると、頻繁に「cresc.」が書き込まれていますが、これは多くの場合、「espressivoの要素をより強調する」という意味を持っています。とはいえ、音楽が音楽的であることを捨てないこと。cresc.の指示のあと、dim.が書いていなくても、フレーズの最後であるならば少し治めてあげること、下行形であるならば下がった先の音は乱暴に弾かないこと、どこにespressivoを感じるか…など、細かな指示も丁寧に演奏すると、表現も大きく変わってきます。
◇拍子の捉え方で、表情も変わる
またこの12番のソナタは、テーマ・すべてのバリエーションともにアウフタクトで始まるので、3拍目から1拍目へ移るときに生じるほんの僅かな間などといった拍のスイングが表現できると、音楽に立体感が出ます。平坦に聴こえてしまっていた演奏に動きが出て、自然な流れを感じられる演奏に変化していきますよ。
マスタークラス:練木繁夫先生
練木先生のレッスンでは、ベートーヴェンの「ピアノソナタ第11番 変ロ長調 Op.22」の第3楽章を取り上げました。真実を抜き出そうと思考することが何よりも大事で、何よりも面白い時間なのだと実感させられるレッスンでした。
◇細かく分析して、自ら考えてみよう
この第3楽章は、左手部分がトリオとなっていますね。このトリオ部分は、全ての音が大切、というわけでありません。音のまわりを飾っているもの、つまり主音と、経過する音や装飾されている音が混ざっているので、1番シンプルな形(主音)を追っていくと骨格が見えてきます。なぜこの部分が腑に落ちないか、それはこの部分にはメロディーが存在しないから。音楽を形作る3要素は「メロディー・ハーモニー・リズム」ですが、ここではメロディーが存在しないので、1つ要素が欠けている状態になります。
◇ハーモニーとメロディー、リズムの関係
今回のレッスンでは、残された2つの要素のうち、ハーモニーを主体にして考えましょう。
1.2拍目を同じハーモニーとしてとらえるのか、捉えないのか…など考えていくと、自ずとリズムが生まれていきます。主体にしたハーモニーと、そこにリズムを加えた流れに頼って音楽を作っていくと、次第と答えに近くなっていくのではないでしょうか?3拍子のビートの感じ方の話も登場しながら、左手における「法則」を紐解いていきましょう。
では、次に右手は?右手は、「左手の法則を壊しにいくベートーヴェン」をあらわしています。sfをアップビートでとるのか、ダウンビートでとるのか…など、弾き方や拍の取り方のチョイスを重ねながら、より音楽が面白く聴こえるような工夫を繰り返しましょう。だんだんに音楽に動きが生まれ、自身の中に納得が生まれていくのを感じられませんか。このように、複雑そうな、解釈のしにくい部分を細かくアナリーゼしていくことで、譜面に忠実に従いつつも、自身の感情を入れることができますよ。また、アナリーゼするということは、「ベートーヴェンが盛り込んだ音楽に真実を抜き出してみようとすること」に直結します。
相談会
1日のレッスンが終了したあとは個別相談会が行われました。レッスンの中で生まれた疑問、もっと先生に聞きたいこと...、その答えを求めて、各先生のもとへは長蛇の列が。そんな熱意にあふれた参加者たちへ、先生方もあたたかく応えてくださいました!
まとめ
国内外で活躍される素晴らしい先生方にお集まりいただいたマスタークラス。どの先生のレッスンも非常に白熱したもので、先生の一言で演奏がどんどん変化していく様に、驚嘆するばかりでした。また、作曲家がどんな想いでそう書いたのか、どんな楽器を念頭においていたのか、ほかの楽器に置き換えたらどんなヒントを得られるか…、それらを考えるには、まず楽譜を細部まで読みこむこと…、その重要性を改めて認識させられた1日でもありました。参加者のみなさんも、レッスンを受け聴講する中で、古典期のソナタを多角的に見ていくためのヒントや、多くの学びがあった1日だったのではないでしょうか?本選まで残りあとわずかではありますが、ぜひコンクールだけでなく、今後の勉強にも、マスタークラスでの学びを役立ててくださいね。先生方、本当にありがとうございました!
この催しはソナタコンクール関連特別イベントとして今回初めての試みで、真嶋雄大先生にレクチャー講師としてお越しいただき、その後、ドイツの音大で教鞭を執ってらっしゃる今旬の若手ピアニスト、河村尚子さんのリサイタルを全員で鑑賞いたしました。
河村さんは、リサイタルではベートーヴェンの下記のソナタ4曲を演奏。
ソナタ第18番 変ホ長調 Op.31-3
ソナタ第21番 ハ長調 Op.53「ワルトシュタイン」
ソナタ第24番 嬰ヘ長調 Op.78「テレーズ」
ソナタ第23番 ヘ短調 Op.57「熱情」
(リサイタル詳細はこちら)
超満員のお客様の鳴りやまない拍手に包まれ、ベートーヴェンづくしの夜は幕を閉じ、終演後には河村さん、真嶋先生を交えて写真撮影。
物腰穏やかでフレンドリーな河村さん、参加者の方々にも優しくお声がけくださいました。
今回、参加者の方々にはレポートを書いていただきました。後日、掲載許可をいただいた方のみ、抜粋してご紹介したいと思います!
このたびご協力いただきましたジャパン・アーツさんには、この場を借りて深くお礼申し上げます。ありがとうございました。
2018年度もソナタコンクールへご参加いただきまして、誠にありがとうございます。
本コンクールの大きな特長として、本選へお進みいただいた方をレッスン対象としたマスタークラスがございます。
このマスタークラスの聴講は、どなたでもご参加いただけます。講師陣には国内外で活躍されているピアニストや、音楽大学で教鞭を執る先生方にお越しいただきいただきます。クラシック期の神髄であるソナタを深く学びませんか。
第2回ソナタコンクールのマスタークラスの様子は、こちらよりご覧ください。
■日程
2018年12月9日(日) 9:00~
■場所
桐朋学園大学 調布キャンパス
アクセスはこちらから
下記の料金でご案内しております。
申込み区分 | 料金 |
---|---|
一般 | 4,000円 |
ピティナ会員 | 3,000円 |
予選指導者・学生 | 2,000円 |
予選参加者・予選参加者の保護者・マスタークラス受講者の保護者 | 1,000円 |
マスタークラス受講者 (ソナタ単楽章B、全楽章コースで本選へお進みいただく方) | 無料 |
◆お申込みはすべて、クレジットカード(paypal)でのご決済となります。
◆下記から参加料金を選択、備考欄に必要情報を入力し、「カートに追加」をクリックすると、Paypalページへ移動します。(決済を進める場合には「チェックアウト」を押して下さい。)
※クレジットカード決済手数料として、1件あたり324円の手数料がかかります。
◆ご案内料金が異なりますので、以下の項目を備考欄に必ずご明記をお願いいたします。
※ピティナ会員の方はピティナID、予選指導者・参加者の方は聴講にご参加される方のお名前を、学生の方は学校名をお書きください。
赤松林太郎
1990年全日本学生音楽コンクールで優勝。神戸大学を卒業後、パリ・エコール・ノルマル音楽院にてピアノ・室内楽共に高等演奏家課程ディプロムを審査員満場一致で取得。全日本ピアノ指導者協会評議院、ブダペスト国際ピアノマスタークラス教授、洗足学園音楽大学客員教授、大阪音楽大学特任准教授、宇都宮短期大学客員教授。横山幸雄
所属:ジャパンアーツ1990年ショパン国際コンクールにおいて歴代の日本人として最年少で入賞。文化庁芸術選奨文部大臣新人賞受賞。国内ではゴールデンウィークの恒例、ショパン連続演奏会の他、2020年ベートーヴェン生誕 250周年に向けてのシリーズ「ベートーヴェン・プラス」の開催や「4大ピアノ協奏曲」の一挙演奏といった意欲的な取り組みは注目を集め、高い評価を確立している。
内藤晃
ピアニストとしてソロ・アンサンブルの両面で活躍する傍ら、札幌シンフォニエッタ、アビアント交響楽団など各地のオーケストラを指揮。主宰ユニット「おんがくしつトリオ」では教育楽器の可能性を追求した上質なアレンジが話題となり、全国的に公演やワークショップを行う。月刊「音楽現代」にコラム「名曲の向こう側」を連載。若林顕
東京芸術大学で田村宏氏に、さらにザルツブルク・モーツァルテウムやベルリン芸術大学でハンス・ライグラフ氏らに学んだ。 1992年出光音楽賞、1998年モービル音楽賞奨励賞、2004年ホテルオークラ賞受賞。 東京音楽大学・大学院客員教授、桐朋学園大学・大学院特任教授、国立音楽大学招聘教授、札幌大谷大学芸術学部客員教授。鈴木理恵子
所属:アスペン桐朋学園大学卒業後、23歳で新日本フィル副コンサート・ミストレスに就任。 近年は夫でもあるピアニスト若林顕とのデュオで、ベートーヴェンのヴァイオリン・ソナタ全曲をはじめとする数々のヴァイオリンとピアノのための名作に意欲的に取り組んで おり、その真摯な解釈による奥深い演奏が高い評価を得ている。
練木繁夫
所属:ジャパンアーツ1976年ツーソンのバイエニアル・ピアノ・コンクールと1979年ピッツバーグのスリー・リヴァーズ・ピアノ・コンクールで1位に輝く演奏を機に、ボストン響、シカゴ響、デンバー響、ピッツバーグ響、ミネアポリス響、ワシントン・ナショナル響等と共演の機会に恵まれる。 アメリカ国外でもメキシコ国立響、フランス放送管、そしてN響を含む日本の主要なオーケストラと共演。
2018年度のソナタコンクールは、全地区予選で定員締め切となりました。参加者の皆様にとってよい学びになることを願っています。
昨年の第1回に引き続き、ソナタへの勉強を深めてほしいとの思いから、今回もソナタコンクールより「ソナタ賞」を提供させていただきました。
Shigeru Kawai国際コンクールのセミファイナルでの課題である「ソナタ」を最も印象的に演奏した方へ、「ソナタ賞」として賞金5万円をお送りいたしました。
ソナタ賞受賞は、カナダ出身のスコット・マシザックさんに
ソナタ賞を受賞されたのはカナダ・カルガリー出身のスコット・マシザックさん。ギルドホール音楽演劇学校をご卒業され、演奏活動のかたわら現在は指導のお仕事もされているとのこと。
セミファイナルではF.J. ハイドン / ピアノソナタ ニ長調 Hob.XVI:24を演奏し、ソナタ賞を受賞。ファイナルではS. ラフマニノフ / ピアノ協奏曲 第 2 番 ハ短調 Op.18を演奏し、第5位を受賞されました。
(スコット・マシザックさんと、弊社代表の福田成康)
ソナタ賞のトロフィー
昨年に引き続きクリスタルトロフィーとなっており、第2回Shigeru Kawai国際コンクール、ソナタコンクールのロゴが入っています。
フェアウェルパーティー
表彰式のあとはロビーにて審査員の先生方、今回協賛されたスポンサー企業ならびにカワイのみなさまで、ファイナリストたちを囲んでの懇親会が行われました。
(ファイナル・コンチェルトの伴奏をしてくださったネルセシアン先生と談笑される、スコットさんと弊社代表・福田)
満員に近い聴衆のなか、力を出し切ったファイナリストたちの研鑽をたたえるとともに、今後も、さらに深い音楽への追求を続けてほしいと願った一日となりました。
ソナタコンクールを受けて・・・
特にマスタークラスでは、レッスンや相談会で、講師の先生と一対一でお話ができ、これまで感覚的に弾いてきたこと、 自分の中であまり意識していなかった部分を細かく聞くことができ、学びの多い一日となりました。 どうアナリーゼするか、その分析をどう解釈して演奏に落とし込むかを学ぶ事ができ、受験前の2か月間、 有意義な準備期間を過ごせました。大学でもさらに深い勉強を続けていきたいと思います。